ENZARZARTE

Tambor

2012-02-01T10:38:00.000-08:00

El tambor es un cuerpo cilíndrico de ventanas sobre el que se eleva la cúpula.Su función principal consiste en elevar la cúpula respecto del cuerpo principal de la edificación. Así mismo, al contar con ventanas o vanos que permiten la entrada de la luz, brinda a la cúpula un efecto de ligereza o sensación de estar "flotando", además de incrementar la luminosidad interior.

Pechina

2012-02-01T10:25:00.000-08:00

Pechina es cada una de las cuatro bovedillas triangulares curvilíneas sobre los que se sustenta una cúpula. Sirven para pasar de la planta cuadrada a la circular y poder acometer la construcción de una cúpula.

Arco perpiaño

2012-01-03T05:09:00.000-08:00

El arco perpiaño es un tipo de arco estructural que se suele emplear en ciertas bóvedas como concentración de empujes. El perpiaño es generalmente un arco apuntado. Es muy empleado en las bóvedas de arista de la arquitectura gótica.

Arbotante

2012-01-03T04:50:00.000-08:00

Un arbotante es un elemento estructural exterior con forma de medio arco que recoge la presión en el arranque de la bóveda y la transmite a un contrafuerte, adosado al muro de una nave lateral. Suele estar en posición inclinada; es, por tanto, un arco rampante, ya que tiene los arranques a distinta altura. Es un elemento constructivo distintivo de la arquitectura gótica.

Pináculo

2012-01-03T04:33:00.000-08:00

Un pináculo es un elemento arquitectónico constructivo y decorativo que se utilizaba en la arquitectura gótica. Posee forma de pilar rematado en su parte superior con una figura piramidal o cónica.

Rodin en Cáceres

2012-01-03T03:04:00.000-08:00

La plaza Mayor de Cáceres ha acogido una exposición de varias esculturas de Auguste Rodin, concretamente un conjunto integrado por El pensador y varios estudios para el Monumento a los burgueses de Calais.

Plemento

2011-12-28T07:53:00.001-08:00

Una plementería es el conjunto de paños de piedras o dovelas que, a modo de cerramiento, cubren el espacio entre los nervios de una bóveda nervada, como una bóveda de crucería. Cada uno de los paños se denomina plemento. Son elementos pasivos que no tienen función estructural y se apoyan sobre los arcos de la bóveda, que son los elementos activos.

Claristorio.

2011-12-28T07:34:00.000-08:00

EL claristorio es el nombre que recibe el conjunto de ventanales que iluminan el interior de un templo, normalmente situado en el nivel más alto de los laterales de la nave central de una iglesia gótica. Su nombre se debe al hecho de que sus vanos permiten a la luz iluminar el interior del edificio. Era ya utilizado por el paleocristiano, en el que probablemente influyó la arquitectura helenística, basílicas, paños o palacios.

Rosetón

2011-12-21T04:53:00.000-08:00

Un rosetón es una ventana circular calada, dotada de vidrieras, cuya tracería se dispone generalmente de forma radial.

Su misión es doble: por un lado, la más simple de iluminar el interior de los templos; por otro, el conseguir un ambiente misterioso al incidir en el altar los rayos filtrados por los multicolores de las vidrieras.

Es un elemento utilizado en el románico, pero sobre todo en el arte gótico.

Triforio

2011-12-21T04:30:00.000-08:00

El triforio es un elemento arquitectónico situado en las naves centrales, justo encima de las arcadas que dan a las naves laterales. Consiste en una línea de vanos, normalmente geminados, abiertos en el grueso de los muros.

En las catedrales situadas en rutas de peregrinaje, como el Camino de Santiago, las tribunas solían tener la función de albergar a los peregrinos, además de proporcionar espacio para un mayor número de asistentes a las celebraciones religiosas.

La palabra triforium viene de transforatum, que significa abierto, calado.

Es un elemento propio de la catedral gótica.

Nuevo MANUAL DE LA PAU (Selectividad)

2011-12-17T03:25:00.000-08:00

Este es el Manual de Historia del Arte para la PAU, efectivo para el presente curso 2011-2012. Las novedades más importantes son la división del programa en dos partes y la reducción del número de láminas para comentar.

Open publication - Free publishing - More arte

23. David, de Donatello

2011-12-04T10:32:00.000-08:00

Nos encontramos ante la ilustracion de una exenta escultura con expresión serena, en la que podemos observar una figura masculina de pie con la cadera ligeramente flexionada (curva praxiteliana), y en su mano derecha porta una espada. En la parte inferior de la escultura se observa una cabeza.

El material empleado es el bronce.

Esta escultura es de bulto redondo aunque principalmente está hecha para ser vista de frente. Presenta una temática religiosa y su funcion es simbólica ya que se tallaban para los palacios, villas.. representando el poder.

La figura presenta en la cabeza un sombrero de paja típico de la Toscana con hojas de amaranto representando la victoria y en su mano izquierda sostiene una piedra.

Dadas estas características deducimos que esta escultura se trata de David y Goliat. David aparece posando su pie izquierdo sobre la cabeza de Goliat como vencedor.

Esta escultura pertenece al siglo V , del cuattrocento italiano y presenta un aire clásico debido a su desnucez . Fue tallado por Donatello y encargado por la familia Médici que la querían situar en los jardines de su palacio.

María Y Elena.

36. Las tres Gracias, de Rubens

2011-12-04T10:14:00.000-08:00

34. Apolo y Dafne, de Bernini

2011-12-04T10:08:00.001-08:00

33. Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes, en Roma, de Borromini: exterior (fachada)

2011-12-04T10:05:00.000-08:00

31. El entierro del Conde de Orgaz, de El Greco

2011-12-04T10:02:00.000-08:00

Nos encontramos ante una ilustración de una pintura en la que podemos observar que está dividido en dos grandes zonas, por un lado en la parte alta se observa una zona celestial en donde aparecen Cristo, la Virgen, ángeles, santos y otros personajes y es la parte donde predomina la horizontalidad. En la parte inferior, se representa un entierro rodeado de personajes algunos de ellos eclesiásticos donde predomina la exposición triangular.

En la obra podemos observar como la parte de arriba tiene una luz que no emana de una fuente en concreto, no como en la parte de abajo en la que aparecen algunos de los cuerpos de los santos más iluminados que el resto, algunas de las figuras aparecen alargadas. En las partes laterales del lienzo aparecen figuras recortadas.

Representación anatómica de los cuerpos para representar la belleza, que se observa en la parte celestial donde se representan algunas figuras desnudas. Las figuras representan un cierto movimiento que se puede observar en la parte terrestre.
Podemos observar un cierto horror vacui.

Su tema es religioso.

Podemos decir que nos encontramos ante la ilustración del entierro del conde Orgaz, su autor es el Greco y lo podemos situar entre 1586-1588.

29. La Escuela de Atenas, de Rafael

2011-12-04T09:59:00.000-08:00

En esta imagen podemos observar varios personajes masculinos distribuidos en grupos, dentro de un gran edificio arquitectónico. Los personajes parecen charlar, pasear, leer, dibujar, etc.

La técnica empleada es la pintura al fresco sobre un muro.

Tiene una función simbólica que representa la Verdad, el Bien y la Belleza.

El arco que sirve de marco a la escena contribuye a aumentar la sensación de profundidad en una perspectiva perfectamente lograda.

En el centro de la composición, Platón, anciano de barba blanca, llevando el “Timeo”, con una de sus manos señalando al cielo, al mundo de las Ideas, como pura expresión del idealismo filosófico, que va acompañado de Aristóteles, más joven, de figura arrogante, cubierto con manto azul, que lleva un tomo de su obra “Ética”, cuya mano mira hacia el suelo, marcando lo palpable, lo visible. A la izquierda hay otro grupo de filósofos reunidos con Sócrates, que marca silogismos con los dedos ante un grupo de jóvenes, entre los que se distingue uno que lleva casco y va armado, lo que se ha interpretado como una representación de Alejandro Magno. Más abajo, otro anciano, tal vez Pitágoras escribe números sobre un grueso libro, mientras un joven le ayuda sosteniendo ante él una tabla. Justo delante Heráclito aparece reflexionando sentado mientras escribe. A la derecha, otro filósofo, Arquímedes, o tal vez Euclides, explica marcando con un compás la figura, y cuenta en su grupo con un joven en el que reproduce el retrato del propio Rafael. Los demás personajes no se pueden identificar, aunque se supone que es Ptolomeo una figura que parece un rey con corona y que porta en la mano una esfera.
Rafael tomó como modelo para representar a estos personajes que suponen una de las cumbres del pensamiento humano, a destacados hombres de la época a los que el admiraba profundamente. Así, Platón, se representa con la imagen de Leonardo, Euclides, con la de Bramante y Heráclito con la de Miguel Ángel.

Dicho todo esto podemos decir que se trata de La Escuela de Atenas.

Su autor es Rafael Sanzio de Urbino
Esta obra la podemos ubicar en el año 1510-151. Pertenece al estilo Renacentista (Quinquecento)

CELIA Y CRISTINA

27. El nacimiento de Venus, de Botticelli

2011-12-04T09:58:00.000-08:00

Nos encontramos ante una ilustracion de una pintura, en la que podemos ver una mujer encima de una concha en el centro, a su lado izquierdo, una figura femenina y a su lad derecho, dos figuras; una masculina y otra femenina. Al fondo se puede ver el mar.

La técnica utilizada es al temple sobre lienzo
En esta obra observamos en el centro, encerrada en un triángulo, la figura de Venus, ligeramente curvada, representando en su silueta la curva praxiteliana, acompañada a su izquierda por Céfiros y Cloris, que dibujan una diagonal, y a la derecha, también en diagonal, la ninfa Hora que traza con el manto con el que se va a recubrir a Venus, otra línea curva, cerrando así la composición por el lado derecho

En cuanto al espacio, opta por un sencillo fondo marino, con las riberas visibles y un grupo de árboles para compensar el vacío que quedaba tras la figura de Hora.

El fondo está claramente iluminado alrededor de Venus, ya que de ella emana la luz, que es lo que ayuda a destacar la figura central de la composición.

Los colores utililizados son suaves y delicados, con un claro contraste entre las figuras femeninas (como Venus, blanquísima) y masculina (tez oscura).Todo el conjunto da una gran sensación de suavidad y calma asombrosa. El tema de pintuta es mitológico

Tras haber realizado este análisis, podemos concretar que se trata del Nacimiento de Venus del autor Sandro Botticelli. Esta pintura, la podemos situar cronológicamente en el año 1485.

26. La Anunciación (Museo del Prado), de Fra Angélico

2011-12-04T09:56:00.000-08:00

En esta imagen podemos observar dos figuras, una masculina y otra femenina, la figura femenina parece estar sedente mirando hacia un pequeño libro que tiene apoyado en sus piernas y la masculina, parece estar mirando dicho libro.

Ambas mantienen los brazos en cruz y están iluminadas por un rayo de sol luminoso. Se encuentran dentro de un estructura arquitectónica que presenta columnas y arcos de medio punto que sostienen bóvedas de arista. Al lado de estas dos figuras, podemos observar un pequeño jardín con tres figuras, dos parecen estar hablando y otra un poco mas atrás observándolas. Por tanto, podemos decir que el espacio de la tabla queda dividido en dos zonas simbólicas desiguales relacionadas entre sí.

El material utilizado es la tabla y su técnica es el temple.

Tiene una función simbólica y religiosa.

Podemos decir que por la perspectiva utilizada la imagen presenta profundidad.

La figuras presentadas son delicadas y presentan naturalismo y realismo.

Después de haber dicho todo esto podemos decir que esta imagen representa La Anunciación.

Esta obra nos cuenta el episodio de la expulsión de Paraíso tras el Pecado Original y la Anunciación a María. Las figuras de la Virgen y el arcángel San Gabriel ocupan el primer término, enmarcados en un pórtico renacentista. En el centro de la fachada aparece un medallón con la efigie de Dios Padre en grisalla. La actitud de la Virgen al recibir la buena nueva es humilde y confiada. Las alas del arcángel se intercalan entre las columnas. El espíritu Santo desciende de lo alto, traído por un haz luminoso. En un segundo plano se presenta la escena de la expulsión de Adán y Eva del Paraíso.

Su autor es Fra Angelico. La realización de esta pintura fue en la primera mitad del siglo XV, entre los años 1435 y 1445, en pleno Quattroncento.

Fra Angélico demuestra un conocimiento de la arquitectura de Brunelleschi, logrando espacio a través de estancias sucesivas o bien por fondos arquitectónicos enmarcados por edificios laterales, también la modernidad defendida por Masaccio se advierte en la plasticidad escultórica de las figuras que parecen formar parte de un escenario de formas góticas. La vocación de Fra Angélico queda al descubierto en esta tabla, una obra para comprender el tránsito entre el trecento y el quattrocento.

CELIA

22. Cúpula de San Pedro del Vaticano, de Miguel Ángel: exterior

2011-12-04T09:48:00.000-08:00

Nos encontramos ante la ilustración de una obra arquitectónica. En dicha imagen podemos observar una monumental cúpula con nervios al exterior sostenida por un gran tambor rodeado por una serié de muros.

Los materiales empleados pueden ser ladrillo y piedra recubiertos de placas de mármol principalmente.

El sistema constructivo es el abovedado debido a la utilización de la cúpula que se obtiene debido al uso de pechinas.

Se emplea la bóveda nervada con segmentos en forma de gajos finalmente rematados con una expectacular linterna. En la parte inferior se observa una sucesión de vanos delimitados por pilastras lo que hace que se reduzcan los vanos.

La función de esta obra arquitectónica es religiosa.

Dadas todas estas características deducimos que nos encontramos ante La Cúpula de San Pedro, realizada por Miguel Ángel. Esta cúpula se encuentra en la Ciudad del Vatícano y su altura le permite que sea una característica dominante en el horizonte de Roma. En su interior cuenta con el mayor espacio interior de una iglesia cristiana en el mundo y es considerada como uno de los lugares más sagrados del cristianismo.

Elena y María

21. Templete de San Pietro in Montorio, en Roma, de Bramante: exterior

2011-12-04T09:44:00.000-08:00

Nos encontramos  ante una imagen en la que podemos observar una arquitectura de forma  redonda con dos plantas que tiene un tamaño reducido. Podemos decir que se  trata de un templete con una función religiosa.   El material empleado es la piedra, el granito y el mármol. Su sistema constructivo es el arquitrabado.

La  estructura del templete consta de dos niveles y un remate cupulado: en el  primer observamos un vano sobre un edificio cilíndrico rodeado por una columnata de orden toscano, sobre plinto, basas áticas y fustes lisos. Sobre  ella se articula un entablamento con triglifos y metopas, decorados con  temas alusivos a la vida de San Pedro. Se remata esta parte con una balaustrada. 

El segundo nivel se concibe al exterior a modo de tambor, con hornacinas(hueco de planta semicircular abierto en un muro para colocar en él una urna o estatua) y nichos de remates rectos y semicirculares, algunos gallonados.

El remate final viene  dado por una cúpula (símbolo del cosmos), cubierta idónea para una  planta circular, con nervios que  apenas se insinúan.

Dicho todo esto podemos decir que se trata del Templete de San Pietro in Montorio, en Roma; fue encargada por los reyes católicos y su arquitecto fue Bramante. Lo situamos entre 1502-1510.
Pertecene al estilo Renacentista, concretamente en el Quinquecento.

Cristina

17. Catedral de León: exterior (conjunto con fachada de los pies)

2011-12-04T09:37:00.000-08:00

Nos encontramos ante una ilustración de un edificio de grandes dimensiones, en el cual se puede destacar su altura. Podemos observar dos torres grandes al frente.Podemos observar y deducir que se trata de una catedral,más concretamente una catedral gótica. Los materiales empleados son la piedra y el hormigón.Comenzaremos describiendo desde el pie del edificio hacia arriba.

Observamos tres aberturas, que son accesos que dan lugar a las naves.El que se encuentra situado en el medio presenta un parteluz. Arriba observamos una succesión de cuatro vanos y sobre éstos un rosetón,ventana circular calada, con adornos. A los lados, dos enormes torres de las cuales la de la izquierda presenta cuatro vanos, mientras que la que situa a la derecha dos, uno encima de otro y podemos observar que tiene un enorme pináculo, para acentuar la altura de la construcción.
Dichas todas estas características, podemos concluir que se trata de la catedral de León, que fue construida entre 1255 y 1302 por el Maestro Enrique(a su muerte en 1277 lo sustituyó Juan Pérez).

El Guernica, de Picasso

2011-10-17T01:02:00.000-07:00

Pulsando sobre la imagen accederás a un informe de El Mundo sobre esta significativa obra.

1. Las pirámides de Gizeh

2011-09-26T08:44:00.000-07:00

La ilustración que voy a cometar son de las pirámides de Gizeh, de las cuales debemos destacar tres de ellas que se denominan: Keops, Kefrén y de Micerinos. Estas pirámides tenían una función funeraria,porque se enterraba a los faraones con todas sus riquezas.
Los materiales que se utilizaron fueron: en las tres mas pequeñas, los materiales empleados fueron ladrillos y en las tres mas grandes, fueron grandes bloques de piedra
La piramide por el exterior son altas; la piramide de Keops mide 146 metros, la pirámide de Micerinos mide 66 metros y la pirámide de Kefrén mide 143 metros y en el interior esta formado por numerosos pasillos. Algunos que no tienen salida y otros que llevan directamente donde estaba enterrado el faraón y sus riquezas
Las pirámides son altas porque pensaban que contra mas altas sean, yegarian al Sol porque identificaban al Sol con el faraón.
Estas pirámides las podemos clasificar cronológicamente aproximadamente sobre el año 2570 a.C y es una arquitectura griega. Esta piramide la mandaron a construir los faraones para cuando fallecieran.

50. El gran masturbador, de Dalí

2011-05-06T03:06:00.000-07:00

48. La raya verde, de Matisse

2011-05-05T03:44:00.000-07:00

49. Guernica, de Picasso

2011-05-05T03:40:00.001-07:00

43. Impresión. Salida del sol, de Monet

2011-05-05T03:40:00.000-07:00

32. Columnata de San Pedro, de Bernini

2011-04-14T05:25:00.000-07:00

46. La Sagrada Familia, de Gaudí: exterior (conjunto)

2011-04-14T04:24:00.001-07:00

45. Torre Eiffel

2011-04-14T04:24:00.000-07:00

47. Casa Kauffman (o de la Cascada), de Wright

2011-04-14T04:23:00.000-07:00

40. El juramento de los Horacios, de David

2011-04-01T03:15:00.001-07:00

44. La noche estrellada, de Van Gogh

2011-03-31T04:12:00.000-07:00

42. La balsa de la medusa, de Géricault

2011-03-31T03:46:00.000-07:00

41. Los fusilamientos de la Moncloa, de Goya

2011-03-31T03:42:00.000-07:00

39. Eros y Psique (Psique reanimada por el beso del amor), de Canova

2011-03-28T08:35:00.000-07:00

35. Muerte de la Virgen, de Caravaggio

2011-03-16T15:43:00.000-07:00

37. La lección de anatomía del doctor Tulp, de Rembrandt

2011-03-16T15:23:00.000-07:00

38. Las Meninas, de Velázquez

2011-03-12T04:05:00.000-08:00

24. Piedad del Vaticano, de Miguel Ángel

2011-03-01T03:26:00.001-08:00

Nos encontramos ante la ilustración de una obra escultórica en la que podemos observar una mujer sentada que tiene sobre sus piernas a un hombre tumbado.
Se trata de una escultura de bulto redondo, pero que esta pensada para ser vista principalmente de frente. El material empleado es el mármol y la técnica utilizada es la talla.

Las figuras están tratadas con un gran realismo, en el hombre se pueden llegar a apreciar incluso las venas del brazo, también una herida que tiene en la mano y las costillas. La mujer sobre la que reposa el cuerpo yacente del hombre, aparece idealizada, es una mujer bastante joven. También están tratados con un gran naturalismo los ropajes tan abundantes que tiene la mujer.
La escultura transmite poca movilidad, la mujer esta sentada y sobre ella reposa el cuerpo del hombre. Presenta una composición piramidal.
Se nota una gran desproporción entre el cuerpo de la mujer y el del hombre. La mujer es bastante mas alta, ademas el autor se ha visto obligado a separar y agrandar las piernas de la mujer para que en ellas pueda reposar el hombre.

La temática es religiosa ya que la mujer es la Virgen y el hombre su hijo, Jesucristo, después de muerto. Por eso podemos ya deducir que la herida que observamos en la mano es causa de los clavos de la cruz.

Otro detalle ya dicho anteriormente pero de gran importancia es que siendo la Virgen la madre de Jesucristo, esta aparece mas joven, casi como una adolescente. El autor intenta transmitir con esto un sentimiento de pureza e idealiza a la Virgen. Hay que decir también que aunque se han cuidado aspectos bastantes formales, se puede apreciar en la cara y en los ojos de la Virgen ese sentimiento de dolor.

Dicho todo esto podemos situarla en el Renacimiento ya que la escultura esta dotada con ciertas características que la hacen única y propia como el tratamiento de los ropajes, anatomicamente el cuerpo de Jesucristo esta tratado con una perfección absoluta reproduciendo fielmente las venas del brazo, los nudillos de la mano, las costillas, los tobillos, etc...
La escultura esta muy pulida y retocada. Estas características nos llevan a averiguar que se trata de la "Piedad" de Miguel Ángel.

Publicado por Isi

28. La Gioconda, de Leonardo da Vinci

2011-02-27T07:30:00.000-08:00

Nos encontramos ante la ilustración de una pintura artística. En dicha imagen podemos observar el retrato de una mujer, la cual presenta una postura firme, una mirada penetrante, manos cruzadas y un ropaje oscuro. Detras de dicha mujer podemos apreciar un paisaje difuminado.

La técnica utilizada es el sfumato, basada en la difuminación de formas y de colores envolviéndolo todo como en una niebla. Esta técnica crea una visión aterciopelada que funde figura y ambiente. Como resultado las sombras y luces se distribuyen magistralmente.

Sin embargo, los colores utilizados son colores oscuros.

Este retrato presenta un gran naturalismo lo que nos hace pensar que el autor tiene un gran conocimiento de la naturaleza (debido al paisaje) y de la figura humana.

La función sera simbólica.

Dada todas estas características nos encontramos ante una pintura que pertenece al Renacimiento, concretamente a la etapa del Cinquencento. Su nombre es La Gioconda, pintada por Leonardo da Vinci. Este es considerado como uno de los grandes genios de la Humanidad y para él la pintura es una actividad intelectual destinada a reproducir la realidad.

Actualmente este famoso retrato lo podemos encontrar en París concretamente en el Museo del Louvre.

Elena y María

25. David, de Miguel Ángel

2011-02-23T01:51:00.000-08:00

Nos encontramos ante la ilustración de una obra escultórica en la que podemos observar la colosal figura de un hombre.

Se trata de una escultura de bulto redondo, el material empleado es el mármol y la técnica escultórica es la talla.

La escultura esta tratada con un gran detallismo y naturalismo, el autor representa bastante bien la situación del momento, pues vemos a David minutos antes de su enfrentamiento con Goliath, armado con una piedra en la mano derecha y la onda, sujeta con la mano izquierda reposando sobre el hombro izquierdo.
El autor nos permite visualizar la tensión del momento mostrando en el rostro del personaje la ira que siente en contra de su oponente, y también, a su vez, la tranquilidad, la calma y la seguridad que tiene en si mismo David. También podemos observar la tensión del momento en detalles como las venas o los músculos en tensión.
La figura transmite un cierto movimiento, pues imaginando la situación, David debería de estar moviéndose para encontrar el mejor momento en el cual atacar a Goliath.
Ademas, el autor intenta reflejar esa movilidad y dinamismo situando la figura en contraposto.

La escultura no esta policromada, pero esta cuidadosamente pulida, de esta forma se aprecian bastante bien todos los detalles. Observando la escultura apreciamos una cierta desproporción de las manos y la cabeza con el cuerpo. Probablemente no sea un fallo del autor, sino que seria intencionado, ya que la figura es de grandes proporciones, supera los cuatro metros, y estaba subida sobre un pedestal.

Dicho todo esto podemos situar la obra en el Renacimiento y mas concretamente en el cinquecento. La obra recibe el nombre de "David" y su autor es Miguel Ángel.

Publicado por Isi

30. Bóveda de la Capilla Sixtina, de Miguel Ángel

2011-02-13T12:31:00.000-08:00

Nos encontramos ante una ilustración pictórica,en la que podemos observar una sucesión de escenas, y presenta figuras,en su mayoría, musculosas y desnudas. Por la forma abovedada en la que se encuentran las pinturas, podemos decir que se trata de una bóveda, más concretamente de una bóveda de cañón.Las pinturas poseen un cierto naturalismo.

La técnica utilizada es la pintura al fresco.

La bóveda simula diez arcos fajones con la intención de dividir la gran bóveda de cañón en nueve tramos sucesivos. Dos falsas cornisas parten los tramos en tres registros. Los rectángulos resultantes en el registro central son de dos tamaños diferentes y narran nueve historias del Antiguo Testamento: La separación de luz y tinieblas, La creación de los astros, La separación de tierras y aguas, La creación de Adán, La creación de Eva, El pecado original y la expulsión del Paraíso, El sacrificio de Noé, El diluvio universal y La embriaguez de Noé.

En las esquinas de los recuadros menores están sentados los ignudi, adolescentes desnudos que sostienen medallones de bronce con escenas del Antiguo Testamento.

En los lunetos y en los tímpanos de los registros laterales se encuentran los antepasados de Jesús.

Entre los tímpanos se alternan las cinco sibilas y los siete profetas, que también ocupan los dos recuadros situados entre las pechinas de los rincones de la bóveda. Estas últimas pechinas representan escenas del libro bíblico de Esther.

La escena más famosa en la bóveda es la de La creación de Adán, en la que Dios, con el dedo tendido hacia el padre de la Humanidad, le transmite la vida. El autor consiguió que, con su larga barba blanca y su gesto bondadoso, aunque terrible, se convirtiera en la imagen universal del Todopoderoso.

La función de esta obra pictórica es religiosa, debido a las escenas que presenta la bóveda de cañón.

Dicho todo esto, podemos concluir que se trata de las pinturas al fresco de la Bóveda de la Capilla Sixtina. Estas pinturas fueron realizadas para decorar la bóveda, en la ciudad del Vaticano(Roma).Fue pintada entre 1508 y 1512, por Miguel Ángel, y es una de las obras más complejas y más bellas de la historia del arte.

20. Cúpula de la Catedral de Florencia (Santa María del Fiore), de Brunelleschi: exterior

2011-02-08T10:08:00.000-08:00

Nos encontramos ante una iluctración de una obra arquitectónica, en la que podemos ver una cúpula central, y otras semicúpulas debajo.

Se trata de una catedral, que tiene una función religiosa.
Los materiales empleados son el ládrillo, la piedra y el mármol y el sistema constructivo es el abovedado sin cimbras de madera y empleo de un aparejo de ladrillo hueco en forma de espina de pez, utilizado ya por los romanos. Planteó la grandiosa cúpula como un doble cascarón con un espacio vacío en medio: el cascarón interno era de forma semiesférica, el externo era apuntado, dividido en ocho partes triangulares divididas por nervios exteriores de mármol. Aligeran el peso en el exterior diversas semicúpulas de descarga y, desde el interior, una serie de costillas horizontales concéntricas y nervios ocultos.

La cúpula se alza sobre un tambor octogonal de piedra revestido de placas de mármol (blanco, verde y rosado), con una gran ventana circular (óculo) en cada uno de sus lados . La cúpula, cuyas ocho caras están cubiertas de tejas rojas planas , tiene un aspecto esbelto gracias a su perfil apuntado, debido a la curvatura de los nervios de mármol blanco que la recorren ascendiendo hacia la cúspide. En la unión de los nervios aparece una estilizada linterna, punto de fuga del sistema. En ella se emplean volutas.

Su estilo está inspirado en los sistemas de construcción romanos, especialmente en la cúpula del Panteón de Agripa.

Tras haber realizado este análisis, podemos decir que se trata de la Cúpula de la catedral de Florencia. Esta cúpula fue realizada por Brunelleschi

Art Project

2011-02-01T11:53:00.000-08:00

Google dispone de una nueva herramienta que nos permite visitar muchos de los más importantes museos de arte de todo el mundo, realizando recorridos por los distintos espacios y pudiendo apreciar al detalle las obras. Te recomiendo que visites el sitio pulsando sobre la imagen.

19. El matrimonio Arnolfini, de Jan van Eyck

2011-02-01T11:01:00.001-08:00

Nos encontramos ante un retrato de una maravillosa pintura artistíca. En dicha pintura observamos un hombre de pié dandole la mano a una mujer , estos parecen encontrarse en una habitación de la cual destacamos una gran lámpara colgada del techo y delante de ellos observamos un perro, que parece representar la fidelidad.Al fondo de la imagen podemos apreciar un espejo en el cual encima de éste aparece la firma del autor. El ropaje de estos personajes presenta plegados casi geométricos utiliza colores vivos y sus caras pálidas representan un fuerte carácter dramático.

La técnica utilizada es el óleo.

El tema de este cuadro es un retrato de carácter privado en el que una pareja de ricos burgueses contraen matrimonio en su propio hogar.

Está pintura presenta una clara realidad, destacando los espacios, basada en aspectos lumínicos.
La perspectiva espacial está marcada por las líneas del suelo, de las vigas, de la ventana y del dosel de la cama que confluyen hacía el interior.

Dadas todas estas características el retrato ante el que nos encontramos parece pertenecer al arte gótico concretamente pertenece a la pintura flamenca del siglo XV, cuyo autor es Jan van Eyck,el cual intenta reflejar la realidad como la percibe el ojo humano, a él se le debe el perfeccionismo de la pintura del óleo y su perspectiva se refleja con aspectos lumínicos y atmósfericos. El título de este retrato El matrimonio Arnolfini.

Elena y María

18. La Resurreción de Lázaro, de Giotto

2011-01-31T09:23:00.001-08:00

Nos encontramos ante la ilustración de una pintura en el que obsevar una serie de personas masculinas y femeninas que están situadas la mayoria de pie y otras de rodilla. Al fondo una montaña en el que hay una series de árboles.

El material empleado es la pintura sobre una tabla. La técnica utilizada es la pintura fresca.

El autor situa el motivo principal de la obra sobre la izquierda de la escena donde la figura sagrada de Cristo, en una clara contundencia plástica y actitud serena, levanta su brazo para volver a darle vida al cuerpo de Lázaro, pero al mismo tiempo se encuentra inmóvil y enérgico en su actitud, y el resto de los presentes se muestran asombrados al observar el hecho.

El autor de esta obra valora la luz por sus efectos tonales y el color adquiere una mayor verosimilitud.

Las figuras se alejan de la rigidez bizantina, dontando a las figuras de movimiento y en sus rostros podemos ver sentimientos. Pinta temas religiosos extraídos de la biblia

Hecho este análisis podemos deducir que se trata de La Resurrección de Lázaro pintada por el pintor italiano Giotto di Bondon entre los años 1304-1306 aproximadamente

15. Catedral de Santiago de Compostela: Pórtico de la Gloria

2010-12-15T03:58:00.000-08:00

En esta imagen podemos observar tres oberturas en la cual la central es más amplia que las dos laterales. En la central observamos un tímpano sostenido por un parteluz con una figura masculina. Observamos unas jambas en las que la parte inferior de éstas podemos ver columnas adosadas y en la parte superior unas esculturas masculinas.

Las esculturas están talladas en granito o mármol, y conservan restos de su policromía original.

En el arco central, el tímpano recrea el Apocalipsis: Cristo aparece en el centro,rodeado por los cuatro evangelistas con sus símbolos (el Tetramorfos); la arquivolta es de medio punto y muestra a los ancianos del Apocalipsis. Sobre el dintel, hay arcángeles. En el parteluz observamos la estatua sedente del apóstol Santiago, apoyado en un báculo y con un cartel en la mano.

En las jambas, observamos profetas y apóstoles que parecen conversar.

En los arcos laterales,las arquivoltas son de medio punto y están ampliamente decorados. Tanto el arco derecho como el arco izquierdo se compone de tres arquivoltas.

Se aprecia la influencia de arte románico y el gótico, no tiene precedentes hispánicos. Del románico podemos decir que existe horror vacui y la adaptación de los personajes al marco arquitectónico. Del gótico la expresividad de las figuras; el naturalismo y los pliegues de los vestidos.

Dicho esto podemos situar la arquitectura en el siglo XII en Santiago de Compostela, pertecene a la Catedral de Santiago, concretamente al Pórtico de la Gloria.

Celia y Cris

19. Frescos de San Clemente de Tahull

2010-12-15T03:57:00.000-08:00

Nos encontramos ante una ilustración de una pintura en la que podemos observar una figura masculina en el centro de la ilustración. A su alrededor se pueden observar pequeñas figuras masculinas, y bajo la figura principal, se encuentra una sucesión de figuras masculinas.

La figura principal presenta una especie de túnica.Lo rodea una mandorla decorada con perlas, en cuya parte superior apoya su cabeza y un nimbo de color blanco. Su rostro, alargado y muy simétrico, presenta una mirada penetrante.

Esta figura alza su brazo derecho en actitud de bendecir, mientras su mano izquierda sostiene un libro abierto, en el que puede leerse la frase de "EGO SUM LUX MUNDI" (yo soy la luz del mundo) escrita en latín. A izquierda y derecha de la figra aparecen las letras griegas alfa y omega.

En cuanto a los materiales, podemos decir que es una pintura realizada al fresco, sobre muro. La realidad es que esta técnica recibe unos toques de pintura al temple para resaltar más el color.

El color es denso y puro, sin matices. los colores planos se yuxtaponen para crear intensos contrastes. Destacan los fondos en bandas que niegan la profundidad.

Esta pintura se encuentra en el ábside de Tahull. Es el Cristo Pantócrator en madorla bendiciendo con tres dedos o la Virgen-Trono con su hijo bendiciendo.

Debajo, en bandas, aparecen los apóstoles y los santos el resto del tema se reparte en muros y bóvedas.

14. Catedral de Santiago de Compostela: interior (nave central)

2010-12-15T03:55:00.000-08:00

Nos encontramos ante una ilustración del interior de una obra arquitectónica en la que podemos observar un amplio pasillo con grandes columnas a ambos lados y en el fondo podemos apreciar un altar.

Podemos deducir y observar que el material utilizado es la piedra y el sistema arquitectónico no se aprecia muy bien si es adintelado o abovedado aunque probablemente sea abovedado ya que presenta arcos.

Observamos una bóveda de cañón como elemento sustentado, que utiliza arcos fajones y que recorre toda la nave central. También podemos apreciar unos enormes pilares con columnas adosadas sobre las que descansan arcos de medio punto, peraltados, doblados y formeros ya que dan paso a las naves laterales. Sobre estos arcos formeros podemos apreciar una tribuna (especie de galería corrida a lo largo de una parte de la nave central) en la que podemos observar arcos geminados de medio punto.

Podríamos decir que se trata del interior de una catedral dicho todos los elementos anteriormente citados, y mas concretamente de una catedral románica.

Se trata de la catedral de Santiago de Compostela. Esta posee una cabecera absidiada con varios absidiolos (también en el transepto), a continuación encontramos el transepto que se divide en tres naves al igual que el resto del edificio; la nave central que posee bóveda de cañón mientras que las laterales bóvedas de arista. En el centro del transepto encontramos un crucero que aparece rematado mediante un cimborrio. En los pies del edificio encontramos el nartex que posee dos torres (una a cada lado).

Podemos considerar la catedral como la obra cumbre del Románico español, pues presenta las características de este estilo plenamente. Llama la atención por sus grandes dimensiones y por su compleja cabecera.

El exterior del templo fue muy reformado en época barroca, proporcionándole el aspecto actual. Aun así, de época románica conserva la Puerta de las Platerías y el Pórtico de la Gloria.

Publicado por Helena, Maria e Isi.

12. Mezquita de Córdoba: interior (sala de oración)

2010-12-02T15:35:00.000-08:00

Nos encontramos ante la imagen del interior de una obra arquitectónica. En ella podemos apreciar una sala que aparece repleta de columnas.

Los materiales empleados probablemente sean mármol y ladrillo. Mármol para las columnas y ladrillo para los arcos. El sistema constructivo utilizado como bien podemos observar es el abovedado.

Los elementos sustentantes son unas esbeltas columnas de orden corintio, sobre el capitel de esta observamos una especie de mastaba invertida que recibe el nombre de cimacio. El cimacio es la base en la que apoya el arco.

La sala posee doble arqueria; la primera utiliza arcos de herradura y la segunda y mas elevada arcos de medio punto.

Los arcos presentan dovelas decoradas de manera bicroma, es decir, convinando dos colores, en este caso el rojo y el blanco.

Los arcos de herradura van unidos horizontalmente a través de un muro o pilar rematado con un modillón de rollo.

Dicho todo esto podríamos decir que se trata del interior de una mezquita pero mas concretamente la sala de oraciones.

Las mezquitas están formadas por diferentes o diversos lugares entre los que podemos destacar: el patio o sahn, el alminar (torre desde la que se llama a la oración), sala de oración o haram, mihrab (pequeño nicho que corresponde al lugar mas sagrado de la mezquita), maqsura (espacio ricamente decorado dedicado al califa) y mimbar (púlpito desde el que se realiza la predicación).

Nos situamos en el arte hispanomusulman y en la mezquita de Córdoba que fue construida entre los años 786 y 788, aunque posteriormente seria ampliada en varias ocasiones. El principal y primer promotor de la obra fue Abd-al-Rahman I.

Publicado por Isi

13. Alhambra de Granada: Patio de los Leones

2010-11-25T12:24:00.000-08:00

En esta imagen podemos observar una arquitectura,con una planta rectangular rodeado de columnas de la cual arrancan unos arcos. En el centro de la imagen observamos una fuente redonda,rodeada de leones,en la cual observamos cuatro canales que divide el patio en cuatro partes.

Se trata de un patio con una función simbólica.

El material empleado en las columnas y fuente es el mármol blanco.

El patio presenta una arquitectura adintelada y sus materiales son yeso,mármol y ladrillo.

La decoración es muy abundante podemos decir que existe horror vacui

Por una parte,las columnas(elementos sustentantes) son de mármol blanco y un fino fuste,los cuales presentan en su parte superior multitud de anillos y estos sostienen capiteles cúbicos y grandes ábacos decorados con ataurique (motivos vegetales entrelazados). Bajo el friso de madera tallada encontramos arcos de yeso y los pabellones y extremos de los lados más largos de la galería son de mocárabes (son elementos en yeso o madera con forma de prisma que penden
de una superficie) decorados con enjuntas en forma de rombo (paño de sebka).

Los tres arcos que sobresalen pertenecen a arcos lobulados y los restantes a arcos de herradura.

Por otro lado,se encuentra la fuente,tallada en mármol,constituida por una base octogonal que sostiene doce esculturas de leones,en la que observamos que en sus bocas sale agua.

Podemos decir que se trata de El Patio de los Leones que es el espacio central del Palacio de los Leones,situado en la Alhambra de Granada.

El palacio fue construido por Mohamed V,hijo de Yusuf I en 1377.

Celia y Cristina

11. Teatro romano de Mérida

2010-11-15T10:07:00.000-08:00

Nos encontramos ante una ilustración en la que aparece una serie de gradas y un escenario en el que observamos una construción en ruinas de la que resalta unas columnas. Esta construcción parece estar encima de un escenario en la cual podemos observar una serie de estatuas de las que destaca una que se encuentra en el centro. Entre las gradas y el escenario se encuentra un semicírculo.

Aparenta ser un teatro que está dividido en:
- Cavea o graderío semicircular: dividida en anillos que separaba a los espectadores en sus diferentes clases sociales.
- Orchestra semicircular: lugar en el que se situaba el coro.
- Proscenium: donde los actores esperaran hasta que les tocara su turno de intervención.
- Scena: construida sobre un zócalo, su sistema constructivo era adintelado y estaba formado por columnas de ordén corintio, cornisa de mármol, entablamento y con esculturas como elemento decorativo. De la scena se abrian tres puertas; una central llamada valva regia y dos laterales llamadas valvae hospitalia.
- Aditus: eran las entradas laterales, conocidas tambien como vomitoria o accesos a la cávea.
- Exterior: formado con varios pisos de arquerías con superposición de órdenes.

Para finalizar podemos decir que se trata del Teatro Romano de Mérida, cuya construcción fue promovida por Marco Vipsania Agripa en el año I a.C y abarcaba unas 6.000 personas.

María y Elena.

9. Panteón, Roma: exterior (fachada)

2010-11-03T09:58:00.000-07:00

10. Coliseo romano: exterior (fachada)

2010-10-26T08:03:00.000-07:00

Nos encontramos frente a una ilustración de una arquitectura. Podemos observar un edificio de grandes dimensiones, en el que destaca numerosos arcos, unos apoyado sobre otros.

   En cuanto a los materiales, podemos decir que se utiliza la piedra y el ladrillo.Los arcos más bajos están hechos de piedra, mientras que la segunda y tercera arquería están hechos de ladrillo. Está decorado con finos mármoles, estatuas y frescos en las paredes.Utiliza el sistema constructivo abovedado, con arcos de medio punto. Su aparejo es el opues quadratum.Presentaba 4 pisos en arcadas en las que se pueden apreciar la súper posición de órdenes en columnas de 3 cuartos con función decorativa.Combina el sistema arquitrabado (columnas y dinteles) con las arquerías sobre pilastras y emplea de los órdenes superpuestos.

   En cuanto a su cronología, podemos situarlo en el siglo I en el centro de la ciudad de Roma, en la época del Imperio romano.

   Para finalizar, podemos concluir que se trata del Coliseo romano de Roma. Se utilizaba para las peleas entre gladiadores, para masacrar cristianos, como diversión para el pueblo romano.

5. Kouros de Anavyssos

2010-10-14T13:29:00.000-07:00

La ilustración que vamos a examinar exhibe una figura frontal masculina, desnuda, está erguido, adelantando la pierna izquierda pero con los dos pies plantados firmemente en el suelo, los brazos muy pegados a los costados y las manos cerradas y pegadas al cuerpo.El pelo es un conjunto de líneas geométricas con un pequeño flequillo sobre la frente, los ojos salientes mirando al frente, la boca con una ligera sonrisa, los hombros anchos, la cintura esbelta y los muslos redondos.

La figura trata una escultura exenta con características de bulto redondo. Muestra grandes rasgos: cara ovalada, cejas arqueadas, ojos almendrados, pómulos salientes, peinado geométrico, sonrisa arcaica.

Está tallado en piedra caliza.

La escultura muestra un canon de proporciones en el cual el cuerpo queda dividido en siete partes iguales del tamaño de la cabeza. Por otro lado la cabeza esta dividida en tres partes iguales que van desde el mentón hasta la nariz, desde la nariz hasta la ceja y desde la ceja hasta el inicio del flequillo.
Los griegos con esta técnica querian representar el realismo,pero no lo lograron ya que no presenta movimiento sino que presenta un aspecto rígido.

El tema es el cuerpo humano entendido en la escultura griega como máximo logro de belleza.

Para finalizar,podemos decir que estas esculturas representaban a los vencedores de las competiciones atléticas,se trata de una escultura exenta pertenenciente a la época arcáica;la imagen presenta Kouros de anavysos.

Su cronología es aproximadamente en el 530 a.C y su autor es anónimo.

Publicado por Celia y Cristina.

Un paseo por la Capilla Sixtina

2010-10-03T05:14:00.000-07:00

Pulsa sobre la imagen y visita la Capilla Sixtina.

7. Hermes y Dionisos, de Praxíteles

2010-10-02T03:40:00.000-07:00

ANÁLISIS:

1. Descripción breve de lo que se ve.
La ilustración que vamos a examinar representa un grupo escultórico con dos figuras: un joven en pie, desnudo y apoyado en un tronco, que sostiene a un niño en su brazo izquierdo, con el que parece juguetear. Del mismo brazo izquierdo de la figura principal pende un manto con drapeados que casi oculta el tronco del árbol. El brazo derecho de la figura adulta está incompleto.

2. Tipo de escultura: bulto redondo, altorrelieve, bajorrelieve,...
La escultura es de bulto redondo.

3. Técnica:

a. Materiales.

b. Técnica escultórica: talla, modelado,...

a) La obra está trabajada sobre mármol,
b) mostrando un alto grado de calidad técnica y de habilidad para aprovechar las cualidades estéticas del material. Las superficies han sido pulidas delicadamente, lo que les da ilusión de vida y sugieren sensación táctil de blandura. Se han evitado las líneas rectas, y las transiciones entre las partes son suaves, casi difuminadas.
4. Aspectos formales:

a. Tratamiento de la figura: proporción, detallismo, naturalismo,...

b. Movimiento o rigidez.

c. Volumen: frontalidad o tridimensionalidad.

d. Color: si está o no policromada.

a) La composición se concibe mediante una serie de líneas ascendentes, con el fin de que la atención se centre en el rostro del joven. La figura de éste presenta un contraposto o esquema en S: el brazo derecho está en tensión y elevado (aunque se ha perdido casi totalmente), mientras que el izquierdo se apoya en el soporte; la pierna izquierda, libre de peso, toca el suelo con la punta del pie, y la derecha soporta el peso, resaltando así la línea de la cadera, con un efecto denominado curva praxiteliana. La forma de expresión es figurativa y naturalista, con un indudable interés por la belleza formal, sobre todo en la figura principal, cuya pose relajada resalta los rasgos de una anatomía perfecta, proporcionada, armónica y sensual.
b) Esta pose, en contraposto, proporciona además movimiento a la obra,
c) que no está condicionada por la arquitectura, pero se ajusta a leyes visuales propias de la pintura: se desarrolla en sentido frontal y se da gran importancia al juego de luces.
d) La policromía es inexistente, pero debe tenerse en cuenta que la escultura griega solía ser policromada y, además, que los ejemplares que se conservan son casi siempre copias romanas.
5. Contenido (tema) y función: religiosa, política, decorativa,...

Aunque el tema es mitológico (se trata de los dioses Hermes y Dionisos) y su función inicial fue religiosa, está tratado de una manera anecdótica y responde a la representación de un momento fugaz, con un claro contenido humano y afectuoso.

COMENTARIO:

6. Clasificación en una época (cronología) y estilo (renacimiento, barroco, neoclasicismo...).
Por las características identificadas en el análisis anterior, podemos afirmar que se trata de una escultura griega del clasicismo tardío (siglo IV a.C.).

7. Autor y título de la obra.
El autor es Praxíteles, pues son propios de su escultura el modelado refinado y el contraposto, que define la típica curva praxiteliana. Es el gran escultor de este momento, y su obra supuso la ruptura con la tradición y la innovación iconográfica (fue el primero en introducir el desnudo femenino). Esta obra, titulada Hermes y Dionisos, presenta al joven Hermes ofreciendo a su pequeño hermanastro tal vez un racimo de uvas.

8. Marco geopolítico: Relación de la obra con su contexto geográfico, artístico, económico, político, social y religioso.
El arte griego no puede entenderse si no tenemos en cuenta su íntima relación con la polis, ciudades-estado que vivieron su etapa de máximo esplendor durante la época clásica (siglos V-IV a.C.), dando origen al sistema político democrático.
En lo religioso, Grecia es politeísta, pero los dioses tienen un enfoque humano. Ahora el hombre es el centro de todo y, por tanto, los dioses son también hombres, aunque más perfectos y eternos. A través de la mitología el hombre explica el mundo de modo racional, con lo que nacen la filosofía y la ciencia, teniendo especial relevancia las matemáticas, pues los números se convierten en la clave para entender el universo, lo que repercute en la física, en la astronomía, en la música y también en el arte. La primacía del sentido racional lo invade todo, tratando de reflejar la perfección divina y, por tanto, de transmitir belleza a través de la proporción.

9. Valoración personal.
Esta escultura, y en general la obra de Praxíteles, no es sólo destacable por su papel hacia la transición al helenismo, sino que también tendría repercusión en el futuro, prolongándose su herencia en el mundo romano, e incluso dejando notar su influencia en obras tan lejanas en el tiempo como el David de Donatello.

4. Partenón: exterior (fachada fronto-lateral)

2010-10-01T03:27:00.000-07:00

Nos encontramos ante la ilustración de una obra arquitectónica, como podemos observar se trata de un edificio del que ya sólo quedan unas ruinas

Se encuentra construido sobre una superficie elevada que podemos denominar estereóbato destacando el estilóbato que es el último escalón y sobre el que descansa el edificio de planta rectangular. El material utilizado parece ser mármol blanco. El sistema constructivo es adintelado y utiliza las columnas como elemento sustentante sobre las que descansan un arquitrabe y sobre este encontramos un friso dividido en triglifos y metopas. En lo alto del edificio encontramos una cornisa y sobre esta un frontón el cual aparece decorado con esculturas adaptadas al marco representando a los dioses del Olimpo.

Según las formas de sus columnas podemos observar que se trata del orden dórico ya que las columnas no poseen basa y su fuste posee acanaladuras de ángulos vivos. Su capitel está formado por un ábaco, un equino y un collarino.

El edificio posee ocho columnas en la fachada principal por lo que es octástilo y períptero ya que está rodeado de columnas. Debido a que es un templo, el interior estaba dividido en: naos, pronaos (donde se encontraría la estatua del dios o diosa al que estaba dedicado) y el opistodomo. La naos estaba rodeada por un friso representando la procesión de las Panateneas.
A diferencia del resto del edificio el interior es de orden jónico como se puede observar en el friso corrido en la naos.

Dicho todo lo anterior podemos deducir que se trata de un templo que se encuentra en la acrópolis de la ciudad de Atenas.

El título de esta obra arquitectónica es el Partenón.
Fue levantado por Ictinos y Calícrates y supervisado por Fidias dedicado a la diosa Atenea una colosal escultura criselefantina que se encuentra situada en la naos.

María y Elena

6. Discóbolo, de Mirón

2010-10-01T03:24:00.000-07:00

Nos encontramos ante la imagen de una escultura en la que podemos apreciar una figura masculina, probablemente un atleta, justo antes de lanzar el disco que porta en la mano derecha. El brazo izquierdo lo tiene apoyado en la pierna derecha, en la cual deja caer todo el peso. El costado derecho posee una curva continua, mientras que el izquierdo una línea en zig-zag.

Se trata de una escultura de bulto redondo, que podría ser una copia de la original la cual estaría tallada en bronce pero esta es de mármol.

El material utilizado es el mármol y la técnica utilizada es la talla.

En esta imagen podemos apreciar que posee un cierto movimiento en potencia y es una escultura para ser vista principalmente de frente.

Presenta los músculos perfectamente definidos aunque algo planos. A pesar del dinamismo compositivo la obra es bastante inexpresiva, no hay relación alguna entre la tensión muscular y el esfuerzo físico qe se le supone al atleta en el momento de máxima concentración y la expresión del rostro, que parece ajeno a lo que el cuerpo ejecuta. Es la expresión del interés por la representación del cuerpo humano en movimiento. La figura humana se representa ya por sí misma.

Dicho todo esto lo podemos clasificar en el arte griego en el que podemos destacar como autor de esta obra a Mirón el cual rompió con las conveciones de la época arcaica y dotó de movimiento a las figuras, aunque no de expresión ni de estudio psicológico. Su mérito principal consistió en representar el cuerpo humano en tensión.

El título de esta obra es el Discóbolo, perteneciente al período clásico cuando se alcanza un ideal según las proporciones perfectas el cuerpo humano, aunque se prescinde de la expresión de sentimientos. Este proceso empieza en la primera mitad del siglo V a.C. con la conquista de movimiento que abandona el estatismo de las figuras arcaicas. El recurso para lograrlo es el contraposto que se produce cuando cada pierna asume distinta función.

Isi

8. Laocoonte y sus hijos

2010-10-01T03:20:00.000-07:00

La ilustración que voy a comentar,se trata de una figura masculina que resalta sobre 2 figuras masculinas más pequeñas.Se puede ver una figura masculina que resalta más por su altura y musculatura y esta luchando porque esta sujeta por la serpiente, y la serpiente tiene atrapado a dos figuras masculinas que parecen ser sus hijos.Los personajes tienen el canon alargado, muy caracteristico de el greco, y además estereotipa los músculos tanto para la figura del padre como la figura de los dos niños pequeños.La escultura esta tallada en mármol.Es una obra de bulto redondo,posee naturalismo del rostro de sufrimiento.Los cuerpos

giran y se retuercen y no nos dejan contemplar la escultura desde otros puntos de vista.

Se ve una clara frontalidad de la escultura, puesto que solo se puede ver de frente .En esta escultura no existe color, simplemente existe el color acarnecido del mármol.

Esta escultura la podemos situar cronológicamente en la edad griega y para ser más exacto entre 1608−1614.Los autores de esta escultura son Agesandro, Polidoro Y Atentodoro

Para finalizar, el título de la obra es la Lacoonte y sus hijos

2. Triada de Micerinos

2010-09-23T03:31:00.000-07:00

Nos encontramos frente a una ilustración de una escultura en la que podemos ver a un faraón junto a dos figuras femeninas. El faraón está apretando los puños, al igual que las figuras femeninas. El faraón aparece fuerte, tiene un pie adelantado,por consiguiente, podremos decir que indica el camino hacia el más allá, y en la base se muestran unos jeroglíficos.Se ve el hieratismo en la imagen.La escultura está proyectada para presentar una vista frontal.Estos son indicios de que es una escultura egipcia.
En cuanto al tipo de escultura, podemos decir que se trata de un altorrelieve escultórico.Es una escultura del Imperio Antiguo egipcio.Los materiales utilizados en esta escultura son el esquisto, que es una piedra de color oscuro muy dura.La técnica escultórica es la talla directa sobre la piedra, y posteriormente pulimentada.Esta escultura no está policromada. Sobre el tema podemos decir que es Micerinos entre la Diosa Hathor y la divinidad del nomo de Cinópolis, podemos considerarlo un poco mitológico.

Si nos centramos en la época,podremos decir que es una escultura egipcia de a mediados del tercer milenio a.C. Sobre su autor no se sabe nada, es anonimo.
En el marco geopolítico,la arquitectura egipcia con el paisaje y la religion tiene una conexion directa. Sus principales tipologias son tumbas y templos.
El enterramiento más sencillo es el mastaba que fue el primer enterramiento usado, de hay pasaron al de la pirámide escalonada y esta dio lugar finalmente a la piramide clásica.

3. Escriba sentado

2010-09-17T03:27:00.000-07:00

Nos encontramos ante una imagen de una escultura en la que podemos apreciar a una figura masculina en posición sedente con las piernas cruzadas y sobre ellas descansa un papiro en el que parece estar escribiendo. Se trata de una figura de bulto redondo pero está pensada para ser vista de frentel. El material utilizado es la piedra caliza policromada. Su cara está atenta y su mirada es viva, resaltan los pómulos y las mejillas, y los ojos aparentan gran realismo. Su postura es algo hierática, y su actitud tensa. Presenta pliegues en el vientre que hacen resaltar su obesidad. Su buena conservación nos permite ver la policromía antigua, con la aplicación de los diferentes colores. En cuanto a la composición de la obra, podemos apreciar una clara disposición piramidal de la misma, con una base que estaría formada por sus piernas, más anchas que el resto de la figura, un tronco constituido por su torso y una cúspide formada por la cabeza. Tiene una función funeraria ya que se ponían delante de la cámara mortuoria para representar el ka del fallecido.

El conjunto de características reseñadas nos haría deducir que nos encontramos ante una obra de la Antiguedad y más concretamente de la civilización egipcia. Espacialmente nos situamos por lo tanto en el extremo oriental de África del Norte. Esta civilización articularía todo un Imperio guiado hasta por 30 dinastías de faraones diferentes distribuidas en tres grandes períodos: Antiguo, Medio y Nuevo, obsesionado por la vida de ultratumba y que cultivaría en lo artístico tanto la arquitectura, como la escultura, como la pintura.

Para finalizar el análisis podemos concretar que se trata del "Escriba sentado" correspondiente a la V Dinastía del Imperio Antiguo de esta civilización egipcia.

Maria.L. , Elena e Isi